Quando osserviamo un grande dipinto, il nostro sguardo viene quasi sempre catturato dai volti, dalle mani, dagli sguardi e dalla scena rappresentata, mentre spesso trascuriamo un universo straordinario che si trova proprio davanti ai nostri occhi: gli abiti dei personaggi.

Nei dipinti dei grandi maestri, ricami, fili d’oro, perle, velluti, sete, broccati e decorazioni preziose raccontano il potere, la ricchezza, la moda, la religione, l’identità e persino i rapporti commerciali di un’epoca.

Basta osservare con attenzione La dama con l’ermellino di Leonardo da Vinci, I coniugi Arnolfini di Jan van Eyck, La Fornarina di Raffaello o i sontuosi ritratti di Tiziano per rendersi conto di quanto gli artisti abbiano investito nella rappresentazione degli abiti.

In alcuni casi il tessuto sembra quasi uscire dalla superficie pittorica e diventare materia reale, tanto sono convincenti la morbidezza del velluto, la lucentezza della seta o la preziosità di un ricamo.

Il filo d’oro che raccontava la ricchezza

Uno degli elementi più spettacolari presenti negli abiti dipinti è il filo d’oro, utilizzato per rendere immediatamente riconoscibile la straordinaria ricchezza del personaggio rappresentato. Nel Rinascimento gli abiti decorati con fili metallici erano costosissimi e appartenevano soprattutto alle élite, tanto che indossarli significava mostrare pubblicamente il proprio rango.

Un esempio straordinario è il Ritratto di Eleonora di Toledo con il figlio Giovanni di Agnolo Bronzino, conservato agli Uffizi, nel quale l’abito della duchessa diventa quasi protagonista insieme al volto. La superficie preziosa dell’ampio vestito, decorata da motivi elaborati, comunica immediatamente il prestigio della donna e della corte medicea.

Bronzino non si limita a dirci che Eleonora è una donna potente: ce lo fa vedere attraverso il tessuto, trasformando l’abito in una dichiarazione visiva di autorità, ricchezza e raffinatezza.

Le perle dipinte come piccole sfere di luce

Tra i dettagli più difficili da rappresentare per un pittore ci sono sicuramente le perle, perché una semplice pennellata deve riuscire a suggerire contemporaneamente la forma tondeggiante, la superficie liscia e il caratteristico riflesso luminoso.

Un esempio celeberrimo è La dama con l’ermellino di Leonardo da Vinci, dove la raffinatezza dell’abbigliamento e dei gioielli contribuisce alla costruzione dell’immagine della giovane Cecilia Gallerani. Leonardo osserva con attenzione la luce e la materia, dimostrando come anche un elemento prezioso apparentemente secondario possa contribuire alla straordinaria naturalezza del ritratto.

Le perle, nei dipinti rinascimentali, non indicavano soltanto ricchezza: potevano evocare anche purezza, femminilità e prestigio, diventando parte di un linguaggio simbolico molto più complesso.

I fiori ricamati che nascondono un significato

I motivi floreali sono tra le decorazioni più frequenti negli abiti rappresentati nella pittura europea e possono assumere un valore puramente ornamentale oppure diventare veri e propri elementi simbolici. Rose, gigli, garofani e foglie venivano riprodotti sui tessuti con una precisione sorprendente, trasformando il vestito in una superficie ricca di significati.

Un dipinto particolarmente interessante da questo punto di vista è La Primavera di Sandro Botticelli, dove gli abiti delle figure sono ricchissimi di dettagli floreali e vegetali. Sebbene l’opera non sia un semplice catalogo di moda, l’attenzione dedicata alla decorazione delle vesti contribuisce alla costruzione di quell’atmosfera preziosa e raffinata che caratterizza l’intera composizione.

Nel Rinascimento, il fiore poteva evocare bellezza, amore, purezza, fertilità o transitorietà della vita.

Gli animali nascosti nei tessuti preziosi

Nei tessuti più raffinati potevano comparire anche animali, uccelli, creature fantastiche e motivi vegetali disposti secondo composizioni estremamente elaborate. Queste decorazioni erano legate alla grande circolazione internazionale delle stoffe preziose e all’influenza esercitata sui tessuti europei dalle produzioni provenienti dall’Oriente.

Un magnifico esempio si trova nella Madonna del cancelliere Rolin di Jan van Eyck, dove l’attenzione dedicata ai materiali preziosi, agli abiti e alle superfici decorate rivela la straordinaria cultura visiva dell’artista fiammingo.

Van Eyck riesce a trasformare la pittura dei tessuti in una dimostrazione di virtuosismo: ogni superficie riflette la luce in maniera diversa e ogni materiale sembra possedere una propria consistenza.

Quando il ricamo diventa un messaggio religioso

Nel caso delle opere a soggetto sacro, le decorazioni degli abiti possono assumere un’importanza ancora maggiore perché spesso contribuiscono a identificare il personaggio o a rafforzare il significato della scena.

Un esempio straordinario è La Madonna del Prato di Raffaello, dove l’eleganza degli abiti della Vergine contribuisce alla costruzione di un’immagine di dolcezza, armonia e perfezione. Anche quando il ricamo non costituisce il soggetto principale, la cura riservata ai tessuti permette di comprendere quanto l’artista considerasse importante la dimensione materiale della rappresentazione.

Nei dipinti religiosi, croci, stelle, monogrammi e altri motivi potevano inoltre trasformare una superficie tessile in una sorta di linguaggio simbolico, capace di comunicare informazioni senza bisogno di parole.

Gli abiti delle donne come dichiarazione di potere

Nei ritratti femminili del Rinascimento l’abito è spesso molto più di un semplice elemento estetico, perché può raccontare la posizione sociale della donna, la ricchezza della famiglia, la sua relazione con una corte e, in alcuni casi, anche il suo ruolo matrimoniale.

Un’opera fondamentale per comprendere questo fenomeno è Ritratto di giovane donna di Piero del Pollaiolo, dove l’eleganza dell’abbigliamento e la cura dei dettagli contribuiscono alla costruzione dell’immagine ideale della giovane aristocratica.

Il volto comunica la persona, ma il vestito comunica il mondo nel quale quella persona vive.

Per questo, quando osserviamo un ritratto rinascimentale, fermarsi soltanto sul viso significa perdere una parte essenziale del messaggio che il committente e l’artista volevano trasmettere.

Il velluto che sembra quasi poter essere toccato

Il velluto rappresentava una delle sfide più difficili per i pittori, perché la sua superficie assorbe e riflette la luce in modo particolare e possiede una consistenza visiva molto diversa da quella della seta o del lino.

Tra gli artisti che raggiunsero risultati straordinari nella rappresentazione dei tessuti troviamo Tiziano, soprattutto nei suoi grandi ritratti aristocratici. Nel Ritratto di Carlo V con il cane, per esempio, la sontuosità dell’abbigliamento imperiale contribuisce in modo decisivo alla rappresentazione del potere.

Il tessuto non è semplicemente qualcosa che ricopre il corpo dell’imperatore: diventa parte della sua autorità, quasi una seconda pelle che comunica immediatamente il rango del personaggio.

Broccati e damaschi: la complessità trasformata in pittura

I broccati e i damaschi potevano essere decorati con motivi vegetali, geometrici e figurativi estremamente complessi, spesso organizzati secondo schemi ripetuti. Rappresentarli correttamente richiedeva una straordinaria capacità tecnica, perché il disegno doveva seguire le pieghe dell’abito senza perdere la propria struttura.

Basti pensare alla straordinaria Velata di Raffaello che sfoggia un sontuoso broccato di seta.

La seta e il problema della luce

La seta è un altro materiale che mette alla prova il talento del pittore perché la sua superficie reagisce alla luce in modo molto particolare, creando riflessi morbidi e mutevoli.

La pittura diventa così una vera sfida ottica: attraverso il colore e la luce l’artista deve convincere lo spettatore che quella superficie dipinta possiede realmente la morbidezza e la luminosità della seta.

Quando il vestito diventa una vetrina del lusso

Nei ritratti aristocratici il vestito può diventare una vera e propria dichiarazione pubblica di ricchezza. Il personaggio non viene rappresentato soltanto per quello che è, ma anche per quello che vuole mostrare di essere.

Un esempio celeberrimo è Il ritratto di Enrico VIII di Hans Holbein il Giovane, nel quale l’abbigliamento sontuoso del sovrano contribuisce in maniera determinante alla costruzione della sua immagine di potere.

La ricchezza dei materiali, le decorazioni, i gioielli e l’imponente silhouette trasformano il ritratto in una rappresentazione visiva dell’autorità monarchica.

Le maniche, piccoli capolavori di moda

Le maniche degli abiti rinascimentali potevano essere vere meraviglie di sartoria, realizzate con materiali diversi rispetto al resto dell’abito e arricchite da ricami, nastri, gioielli e decorazioni.

Un’opera particolarmente interessante è Il Ritratto di Isabella d’Este di Tiziano, nel quale l’abbigliamento contribuisce in modo fondamentale alla rappresentazione della personalità e del prestigio della marchesa.

Le maniche erano spesso così importanti da poter essere sostituite o abbinate diversamente, diventando uno degli elementi più versatili e costosi del guardaroba aristocratico.

Colletti e polsini: i dettagli che attirano lo sguardo

Sono spesso le parti più piccole dell’abbigliamento a contenere le decorazioni più raffinate. Colletti, polsini e bordi delle maniche potevano essere impreziositi da ricami, merletti e fili metallici, creando punti luminosi capaci di guidare lo sguardo dello spettatore.

Un esempio straordinario è La ragazza con l’orecchino di perla di Johannes Vermeer, dove il semplice abbigliamento della giovane dimostra quanto pochi elementi possano essere sufficienti a creare un’immagine di straordinaria intensità.

In Vermeer la raffinatezza non nasce necessariamente dall’abbondanza decorativa: nasce dalla capacità di utilizzare luce, colore e materia con assoluta precisione.

Gli stemmi e le iniziali cuciti sugli abiti

Un ricamo poteva diventare anche un segno di identità. Stemmi, iniziali, emblemi e simboli familiari potevano essere inseriti nei tessuti per rendere immediatamente riconoscibile il casato di appartenenza.

Un esempio straordinario della funzione identitaria dell’abbigliamento è Il ritratto di Federico da Montefeltro e Battista Sforza di Piero della Francesca, dove ogni elemento della rappresentazione contribuisce alla costruzione dell’immagine pubblica dei protagonisti.

In questo senso l’abito poteva diventare quasi uno stemma indossato, trasformando la persona rappresentata in un’immagine ufficiale della propria famiglia.

Quanto erano realistici i ricami dipinti dai grandi maestri?

Una delle domande più affascinanti è capire quanto gli artisti riproducessero realmente gli abiti che vedevano e quanto invece li trasformassero secondo le esigenze della composizione.

Un dipinto come Las Meninas di Diego Velázquez mostra perfettamente quanto la rappresentazione dell’abbigliamento potesse essere utilizzata per definire gerarchie, ruoli e presenza sociale. I tessuti, le decorazioni e le superfici dell’abito contribuiscono alla complessità della scena tanto quanto i personaggi stessi.

Il pittore non doveva necessariamente riprodurre ogni filo: doveva creare l’illusione che quel filo esistesse.

Ed è proprio questa capacità di suggerire la materia attraverso pochi tocchi di colore che rende straordinaria la pittura dei grandi maestri.

I vestiti sono opere d’arte dentro l’opera d’arte

Un ricamo può raccontare la ricchezza di una famiglia, una stoffa può testimoniare l’esistenza di rotte commerciali internazionali, un gioiello può alludere a un matrimonio e un simbolo può rivelare l’identità di un personaggio.

Un esempio straordinario è ancora una volta I coniugi Arnolfini di Jan van Eyck, uno dei dipinti in cui ogni dettaglio sembra possedere un significato: dagli abiti alle pellicce, dai gioielli agli oggetti della stanza.

Il quadro diventa così una sorta di mondo in miniatura nel quale la pittura conserva informazioni sulla società che lo ha prodotto.

Perché studiare i ricami significa studiare la storia

Osservare i ricami nei dipinti significa quindi entrare nella storia della moda, ma anche nella storia dell’economia, dell’artigianato, del commercio e delle relazioni culturali tra Paesi diversi.

Le stoffe preziose viaggiavano da una città all’altra, le tecniche di lavorazione venivano imitate e perfezionate, mentre motivi decorativi provenienti da culture lontane entravano nei guardaroba delle corti europee.

Un dipinto come Il Ritratto di Baldassarre Castiglione di Raffaello dimostra perfettamente come l’eleganza potesse essere comunicata anche attraverso la scelta apparentemente sobria degli abiti. Non sempre il lusso doveva essere esibito attraverso l’oro e le pietre preziose: anche la qualità della stoffa, il taglio e la combinazione dei colori potevano definire il carattere e lo status del personaggio.

La prossima volta che guardate un quadro, osservate prima il vestito

Forse la cosa più affascinante è proprio questa: i dettagli che normalmente consideriamo secondari possono essere tra i più importanti dell’intera opera.

La prossima volta che vi troverete davanti a un capolavoro, provate a non concentrarvi soltanto sul volto del personaggio. Guardate le maniche, seguite il bordo dell’abito, cercate un piccolo fiore, una perla, un filo dorato o un animale nascosto nel tessuto.

Potrebbe esserci una storia che non avevate mai visto prima. Nei grandi dipinti della storia dell’arte anche un piccolo ricamo può diventare una finestra sul passato: racconta chi poteva permettersi quel tessuto, quali erano i gusti dell’epoca, quali simboli erano considerati importanti e quanto fosse straordinaria la capacità degli artisti di trasformare la pittura in materia.

Avvicinarci alle opere, rallentare lo sguardo e cominciare a osservare ciò che per secoli abbiamo guardato senza davvero vedere aiuta a comprendere meglio ciò che stiamo guardando, sempre.

Per il momento il sempre vostro Michelangelo Buonarroti vi saluta dandovi appuntamento ai prossimi post e sui social.

The Most Beautiful Embroideries in Art History: 15 Hidden Details in the Clothes of Great Masterpieces

When we look at a great painting, our gaze is almost always drawn to the faces, hands, gazes, and the scene depicted, while we often overlook an extraordinary universe that lies right before our eyes: the characters’ clothes.

In the paintings of the great masters, embroidery, gold thread, pearls, velvet, silk, brocade, and precious decorations convey the power, wealth, fashion, religion, identity, and even the commercial relationships of an era.

A careful look at Leonardo da Vinci’s Lady with an Ermine, Jan van Eyck’s The Arnolfini Couple, Raphael’s La Fornarina, or Titian’s sumptuous portraits is enough to realize how much artists invested in the depiction of clothing.

In some cases, the fabric almost seems to emerge from the painted surface and become real, so convincing are the softness of the velvet, the sheen of the silk, or the preciousness of the embroidery.

The gold thread that spoke of wealth

One of the most spectacular elements in painted clothing is the gold thread, used to immediately convey the extraordinary wealth of the sitter depicted. During the Renaissance, garments decorated with metallic threads were extremely expensive and belonged primarily to the elite, so much so that wearing them meant publicly displaying one’s rank.

An extraordinary example is the Portrait of Eleonora of Toledo with Her Son Giovanni by Agnolo Bronzino, now in the Uffizi, in which the duchess’s dress almost becomes the protagonist alongside her face. The precious surface of the wide dress, decorated with elaborate motifs, immediately communicates the prestige of the woman and of the Medici court.

Bronzino doesn’t simply tell us that Eleonora is a powerful woman: he makes us see it through the fabric, transforming the dress into a visual statement of authority, wealth, and refinement.

Pearls painted as small spheres of light

Pearls are undoubtedly among the most difficult details for a painter to depict, because a simple brushstroke must simultaneously suggest their rounded shape, smooth surface, and characteristic light reflection.

A famous example is Leonardo da Vinci’s Lady with an Ermine, where the refinement of the clothing and jewelry contributes to the construction of the image of the young Cecilia Gallerani. Leonardo carefully observes light and texture, demonstrating how even a seemingly secondary, precious element can contribute to the extraordinary naturalness of the portrait.

Pearls, in Renaissance paintings, did not merely indicate wealth: they could also evoke purity, femininity, and prestige, becoming part of a much more complex symbolic language.

Embroidered flowers that conceal a meaning

Floral motifs are among the most common decorations on clothing depicted in European painting and can have a purely ornamental value or become truly symbolic elements. Roses, lilies, carnations, and leaves were reproduced on fabrics with astonishing precision, transforming the garment into a surface rich in meaning.

A particularly interesting painting from this perspective is Sandro Botticelli’s Primavera, where the figures’ dresses are richly detailed with floral and plant motifs. Although the work is not a simple fashion catalog, the attention paid to the decoration of the garments contributes to the precious and refined atmosphere that characterizes the entire composition.

In the Renaissance, flowers could evoke beauty, love, purity, fertility, or the transience of life.

Animals Hidden in Precious Fabrics

The finest fabrics could also feature animals, birds, fantastical creatures, and plant motifs arranged in extremely elaborate compositions. These decorations were linked to the widespread international circulation of precious fabrics and the influence of Eastern production on European textiles.

A magnificent example is found in Jan van Eyck’s Madonna of Chancellor Rolin, where the attention paid to precious materials, clothing, and decorated surfaces reveals the Flemish artist’s extraordinary visual culture.

Van Eyck manages to transform the painting of fabrics into a demonstration of virtuosity: each surface reflects light differently, and each material seems to possess its own texture.

When embroidery becomes a religious message
In the case of works with religious subjects, the decorations on the clothing can take on even greater importance because they often help identify the sitter or reinforce the meaning of the scene.

An extraordinary example is Raphael’s Madonna of the Meadow, where the elegance of the Virgin’s clothing contributes to the construction of an image of sweetness, harmony, and perfection. Even when embroidery is not the primary subject, the attention paid to textiles allows us to understand how important the artist considered the material dimension of representation.

In religious paintings, crosses, stars, monograms, and other motifs could also transform a textile surface into a sort of symbolic language, capable of communicating information without the need for words.

Women’s Clothing as a Statement of Power

In Renaissance female portraits, clothing is often much more than a simple aesthetic element, as it can convey a woman’s social position, her family’s wealth, her relationship with a court, and, in some cases, even her marital status.

A key work for understanding this phenomenon is Piero del Pollaiolo’s Portrait of a Young Woman, where the elegance of the clothing and attention to detail contribute to the construction of the ideal image of the young aristocrat.

The face communicates the person, but the dress communicates the world in which that person lives.

For this reason, when we look at a Renaissance portrait, focusing solely on the face means missing an essential part of the message the patron and the artist wanted to convey.

Velvet that almost seems touchable

Velvet represented one of the most difficult challenges for painters because its surface absorbs and reflects light in a unique way and has a visual texture very different from that of silk or linen.

Among the artists who achieved extraordinary results in the representation of textiles is Titian, especially in his large aristocratic portraits. In the Portrait of Charles V with a Dog, for example, the sumptuousness of the imperial attire contributes decisively to the representation of power.

The fabric is not simply something that covers the emperor’s body: it becomes part of his authority, almost a second skin that immediately communicates the sitter’s rank.

Brocades and Damasks: Complexity Transformed into Painting

Brocades and damasks could be decorated with extremely complex vegetal, geometric, and figurative motifs, often arranged in repetitive patterns. Representing them correctly required extraordinary technical skill, as the design had to follow the folds of the garment without losing its structure.

Just consider Raphael’s extraordinary Velata, which displays a sumptuous silk brocade.

Silk and the Problem of Light

Silk is another material that challenges the painter’s talent because its surface reacts to light in a very particular way, creating soft and ever-changing reflections.

A famous example is Raphael’s La Fornarina, where the attention paid to the clothing and precious elements contributes to the sensuality and elegance of the figure.

Painting thus becomes a true optical challenge: through color and light, the artist must convince the viewer that the painted surface truly possesses the softness and luminosity of silk.

When clothing becomes a showcase of luxury

In aristocratic portraits, clothing can become a veritable public statement of wealth. The sitter is depicted not only for who they are, but also for who they want to be.

A celebrated example is Hans Holbein the Younger’s Portrait of Henry VIII, in which the sovereign’s sumptuous attire plays a key role in constructing his image of power.

The richness of the materials, the decorations, the jewels, and the imposing silhouette transform the portrait into a visual representation of monarchical authority.

Sleeves: Small Fashion Masterpieces

The sleeves of Renaissance dresses could be true marvels of tailoring, made of different materials than the rest of the dress and enriched with embroidery, ribbons, jewels, and decorations.

A particularly interesting work is Titian’s Portrait of Isabella d’Este, in which the clothing plays a key role in portraying the marchioness’s personality and prestige.

Sleeves were often so important that they could be replaced or combined differently, becoming one of the most versatile and expensive elements of the aristocratic wardrobe.

Collars and Cuffs: Eye-Catching Details

It’s often the smallest parts of clothing that contain the most refined decorations. Collars, cuffs, and sleeve edges could be embellished with embroidery, lace, and metallic thread, creating points of light capable of drawing the viewer’s gaze.

An extraordinary example is Johannes Vermeer’s Girl with a Pearl Earring, where the young woman’s simple attire demonstrates how few elements can be enough to create an image of extraordinary intensity.

In Vermeer, refinement doesn’t necessarily stem from decorative abundance: it stems from the ability to use light, color, and texture with absolute precision.

Coat of Arms and Initials Sewn onto Clothing

Embroidery could also become a sign of identity. Coats of Arms, initials, emblems, and family symbols could be inserted into fabrics to make one’s lineage immediately recognizable.

An extraordinary example of the identity-building function of clothing is Piero della Francesca’s Portrait of Federico da Montefeltro and Battista Sforza, where every element of the depiction contributes to the construction of the protagonists’ public image.

In this sense, clothing could almost become a worn coat of arms, transforming the depicted person into an official image of their family.

How realistic were the embroideries painted by the great masters?

One of the most fascinating questions is to understand how much the artists actually reproduced the clothes they saw and how much they transformed them according to the needs of the composition.

A painting like Las Meninas by Diego Velázquez perfectly demonstrates how the representation of clothing could be used to define hierarchies, roles, and social presence. The fabrics, decorations, and surfaces of the clothing contribute to the complexity of the scene as much as the characters themselves.

The painter didn’t necessarily have to reproduce every thread: he had to create the illusion that that thread existed.

And it is precisely this ability to suggest texture through just a few touches of color that makes the paintings of the great masters extraordinary.

Clothes are works of art within a work of art

An embroidery can reveal a family’s wealth, a fabric can testify to the existence of international trade routes, a jewel can allude to a wedding, and a symbol can reveal a character’s identity.

An extraordinary example is once again Jan van Eyck’s The Arnolfini Couple, one of those paintings in which every detail seems to have meaning: from the clothes to the furs, from the jewelry to the objects in the room.

The painting thus becomes a sort of miniature world in which the painting preserves information about the society that produced it.

Because studying embroidery means studying history

Observing embroidery in paintings therefore means entering the history of fashion, but also the history of economics, craftsmanship, trade, and cultural relations between different countries.

Precious fabrics traveled from one city to another, manufacturing techniques were imitated and perfected, while decorative motifs from distant cultures entered the wardrobes of European courts.

A painting like Raphael’s Portrait of Baldassarre Castiglione perfectly demonstrates how elegance could be communicated even through the seemingly sober choice of clothing. Luxury didn’t always have to be displayed through gold and precious stones: the quality of the fabric, the cut, and the combination of colors could also define the character and status of the sitter.

Next time you look at a painting, look at the dress first

Perhaps the most fascinating thing is precisely this: the details we normally consider secondary can be among the most important in the entire work.

The next time you find yourself in front of a masterpiece, try not to focus solely on the sitter’s face. Look at the sleeves, follow the hem of the dress, look for a small flower, a pearl, a golden thread, or an animal hidden in the fabric.

There may be a story you’ve never seen before. In the great paintings of art history, even a small embroidery can become a window into the past: it reveals who could afford that fabric, the tastes of the time, what symbols were considered important, and the extraordinary ability of artists to transform paint into matter.

Approaching the works, slowing our gaze, and beginning to observe what we have gazed upon for centuries without truly seeing helps us better understand what we are looking at, always.

For now, yours truly, Michelangelo Buonarroti bids you farewell, and we look forward to seeing you in future posts and on social media.

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Pubblicato da Michelangelo Buonarroti

Chi non conosce Michelangelo Buonarroti? Scultore, pittore, architetto e raffinato poeta. Ma chi è il suo alter ego che gli da voce sul blog michelangelobuonarrotietornato.com e sui social connessi? Antonietta Bandelloni, art blogger e scrittrice toscana appassionata d'arte. Da più di dieci anni si dedica allo studio approfondito delle opere e della tormentata esistenza di Michelangelo Buonarroti. Per contattare Antonietta Bandelloni per collaborazioni, inviti, sponsorizzazioni o altro inviate una mail direttamente a antoniettabandelloni@gmail.com ENG: Who doesn't know Michelangelo Buonarroti? Sculptor, painter, architect and refined poet. But who is his alter ego that gives him a voice on the blog michelangelobuonarrotietornato.com and on the connected social networks? Antonietta Bandelloni, a Tuscan art blogger and writer passionate about art. For over ten years she has devoted himself to the in-depth study of Michelangelo Buonarroti's works and tormented existence. To contact Antonietta Bandelloni for collaborations, invitations, sponsorships or other send an email directly to antoniettabandelloni@gmail.com Vedi tutti gli articoli di Michelangelo Buonarroti